Los peces de la amargura: aspectos más relevantes en relación con su contexto histórico y literario

Sigue una posible respuesta para la pregunta 5b (o 7, según se mire), en caso de que se refiera a Los peces de la amargura de Fernando Aramburu. Se inspira en las críticas de Senabre, Castanedo y Larequi aparecidas en el momento de su publicación.

5b. Comente los aspectos más relevantes de la obra española posterior a 1974 que haya leído en relación con su contexto histórico y literario. 

Los peces de la amargura (Premio Real Academia Española 2008) es un libro de relatos  publicado en 2006 cuyo tema común es el clima de violencia social vivido en el País Vasco por el terrorismo de ETA. Su autor, Fernando Aramburu (San Sebastián, 1959), había publicado novelas destacadas anteriormente, pero su mayor éxito lo alcanzó con Patria en 2016 (Premio de la  Crítica en 2016 y Nacional de Narrativa en 2017), novela en la que retoma el mismo tema. Frente a la huida del presente que caracteriza la narrativa española del siglo XXI, más propensa a la recreación del pasado --bien de la juventud perdida, bien de la dictadura franquista y la Guerra Civil o de tiempos más remotos--, Aramburu abordó en estos relatos la que fue, según las encuestas, la principal preocupación de los españoles durante décadas más recientes.

El autor plantea en estas diez narraciones el modo en que afectan los atentados a sus víctimas y, sobre todo, a los familiares o cercanos damnificados, marcados ya para el resto de su existencia. Los relatos se presentan con una variedad de estrategias narrativas --el monólogo a un hijo por nacer (“Lo mejor eran los pájaros”); la narración en tercera persona (“Enemigo del pueblo”); el relato enteramente dialogado (“Después de las llamas”); o la carta (“Informe desde Creta”)--, paralela a la diversidad de historias y personajes: la familia de una víctima inválida (“Los peces de la amargura”); la mujer de un guardia urbano asesinado (“Madres); la madre remordida por lo que hizo su hijo etarra (“Maritxu”); los vecinos de un concejal acosado (“La colcha quemada”); el preso que cuenta cómo llegó a ser terrorista (“Golpes en la puerta”);  o el adolescente que averigua cómo mataron a su padre (“El hijo de todos los muertos”).

En cuanto al estilo, destaca el tono coloquial de muchos de los relatos y de sus personajes: en sus diálogos abundan los vulgarismos (apócopes, palabrotas) y los rasgos de la variedad diatópica del español en zonas de sustrato vasco, como el uso del condicional por el imperfecto de subjuntivo. Con este recurso las voces de los personajes se individualizan y su construcción adquiere verosimilitud. Tan creíble resulta la resignación de las víctimas, como la desgracia de los educados en el odio asesino.

El resultado es una crónica de los efectos de la violencia por quienes la sufrieron, que evita tanto los detalles tremendistas como los excesos sentimentales, pero que logra trasladar al lector al clima vivido en el País Vasco durante finales del siglo XX y principios del XXI. En esa representación costumbrista y sobrecogedora radica su gran valor literario, al que se suma el valor histórico y documental de la sociedad modelada en el País Vasco por el terrorismo de ETA y la presión social de sus cómplices.

La familia de Pascual Duarte: valoración en relación con su contexto histórico y literario.

Sigue una propuesta para responder a la pregunta 5b de la EvAU si la lectura publicada entre 1939 y 1974  ha sido La familia de Pascual Duarte. Sin tratarse de un modelo, puede serviros de referencia.

5.b. Comente los aspectos más relevantes de la obra española publicada entre 1940 y 1974 que haya leído en relación con su contexto histórico y literario. 

Portada de la primera edición

La familia de Pascual Duarte fue la primera novela de Camilo José Cela (Premio Nobel de Literatura en 1989). Fue publicada en 1942, durante los primeros años de la dictadura franquista, al poco de acabar la Guerra Civil. Los años de la posguerra se caracterizaron por la crisis económica, derivada del aislamiento y la autarquía, y por la represión política y social. En su contexto literario, la novela contrasta con el tono triunfalista de novelas como La fiel infantería de Rafael García Serrano (Premio de Literatura en 1943) y con la búsqueda de la evasión a través de lo fantástico (El bosque animado, de W. Fernández Flórez). Surgen también obras como Nada de Carmen Laforet (Premio Nadal en 1944), de tipo existencialista, tendencia con la que se ha relacionado La familia de Pascual Duarte.

        
La base de la novela son las memorias de un campesino extremeño, Pascual Duarte, que recuerda los episodios de su vida como un nuevo pícaro, con la intención aparente de justificar sus actos más violentos: primero la muerte de sus animales (su perra Chispa y su yegua); y después aquellos homicidios que lo llevaron a la cárcel (el Estirao, novio de su hermana, y su propia madre, a la que culpa de su desdicha), desde donde escribe y espera su condena a muerte. La aparente indiferencia con que Pascual narra estos hechos sangrientos, verosímiles por el carácter del protagonista y por el ambiente cruel, caracterizan lo que se ha llamado “Tremendismo”, un realismo deformante, puesto que se centra en subrayar lo más desagradable y aberrante de la sociedad (la muerte de su hermano Mario; el primer encuentro amoroso con Lola en el cementerio,..). En la obra es muy perceptible la influencia de la novela picaresca, de la que toma la autobiografía en primera persona, el origen humilde, la intención exculpatoria e, incluso, el arranque del  relato de Pascual, idéntico al de La vida del Buscón ("Yo, señor, no  soy malo"), con la que trata de explicar su trágico destino, siempre perseguido por la desgracia. 

          La verosimilitud se acentúa con el recurso al perspectivismo, herencia de Cervantes, ya que lo narrado por Pascual va enmarcado por las notas de un supuesto transcriptor que halló el manuscrito, mientras que conocemos la muerte del protagonista por los testimonios de otros testigos como el cura y el guardia civil. Por estos últimos sabemos que su condena a muerte la causa el asesinato confeso del conde de Torremejía (el cacique de su pueblo), durante los quince días de revolución en el año 36, lo que daría pie a interpretaciones políticas, no del todo claras. Por último, el lenguaje combina el registro popular en refranes y expresiones ("El cántaro que va mucho a la fuente acaba por romperse"; "El vino no es buen consejero"), con el tono poético en otros pasajes, sorprendente en un campesino iletrado. Por todos los aspectos anteriores, se trata de una obra esencial de la literatura española contemporánea que supuso un revulsivo en el contexto de su publicación.

Luces de bohemia: valoración en relación con su contexto histórico y literario

Sigue una propuesta para responder a la pregunta 5b de la EvAU si la lectura anterior al 39 ha sido Luces de bohemia. Reformula redacciones tomadas de aquí y de allá. Sin tratarse de un modelo, puede serviros de referencia.

5b. Aspectos más relevantes de Luces de bohemia en relación a su contexto histórico y literario.

Ramón del Valle Inclán publicó por primera vez Luces de Bohemia en 1920 y en 1924 sacó a la luz su redacción definitiva en quince actos.

En  la obra se aprecian los conflictos políticos y sociales de la segunda década del siglo XX, cuando el sistema de turno de partidos con el que se rigió el país entre 1875 y 1923 entró en crisis por varios motivos (la corrupción, los desequilibrios sociales y los fracasos en la guerra de Marruecos, entre otros). Todo ello desembocó en la dictadura del general Primo de Rivera (1923-1929), surgida con el permiso de Alfonso XIII, lo que acabaría por motivar la abdicación del rey y la proclamación de la Segunda República en 1931.

Luces de Bohemia se inscribe en el esperpento, subgénero teatral creado por el propio Valle Inclán que parte de una deformación deliberada de la realidad para expresarla de manera más cruda, eficaz y artística. Constituye el intento innovador más importante del teatro español anterior a 1939.  Dos son los temas básicos de la obra: la vida bohemia de los escritores de principios de siglo y la realidad española presentada de forma muy crítica y pesimista, en el que todas las clases sociales se presentan denigradas.  El protagonista, Max Estrella, lo expresará con algunas de sus afirmaciones en el acto XII  ("España es una deformación grotesca de la civilización europea") al final de un recorrido nocturno que concluirá con su muerte a las puertas de su casa.

Estrella es un antihéroe, bohemio, borracho y ciego, que conserva a pesar de ello su dignidad y lucidez (seguramente se inspiró en el real Alejandro Sawa). Su lazarillo y supuesto amigo, don Latino de Híspalis, es un cínico que al final abandona al moribundo Max y le quita un billete de lotería con premio que podría haber salvado de la pobreza y el suicido a la familia de Max. En total, intervienen en la obra más de cincuenta personajes, casi todos presentados como caricaturas tras aplicárseles la deformación esperpéntica (hasta la animalización en algún caso).

En esa perspectiva deformante o "deformación sistemática de la realidad" radica gran parte de la novedad formal de la obra, junto a la riqueza de registros del lenguaje, desde el estilo pedante de los modernistas al lenguaje popular que emplean varios personajes. Destacan también las acotaciones, ricas en léxico y con valor artístico en sí mismas. Estas indicaciones, así como la diversidad de espacios y ambientes, hicieron de Luces de Bohemia  una obra difícilmente representable por su propia innovación que no se llevó las tablas en España hasta 1970.